LA MAR DE RUIDO 2017





El cartel de La Mar de Ruido suma 11 bandas y 3 días de conciertos en el parque del Muelle





  • Los británicos The Blow Monkeys, que arrasaron en las listas europeas en los años 80, ofrecen en Avilés su única actuación en España


  • Jóvenes Clásicos del Son, una de las bandas cubanas del momento, tocara en Avilés dentro de su gira europea


  • Históricos de la música española, como Mikel Erentxun y Siniestro Total, se suman a los importantes nombres que han pasado por el festival en sus trece ediciones
                                                                     


La decimotercera edición del festival La Mar de Ruido retoma las tres jornadas de duración de viernes a domingo, tal y como se inició allá por 2005. Se celebra los próximos 18, 19 y 20 de agosto en el Parque del Muelle,  con un cartel con 11 nombres.

Se trata de un cartel que simplifica lo que es y ha sido el Festival en estos 12 años anteriores, un recorrido por los diferentes estilos del rock, blues, pop y música de raíz. Todo ello en el kiosco del Parque del Muelle escenario circular emblema de un certamen que nació con la idea de dar cabida a bandas nacionales e internacionales, sin olvidarse de los grupos locales y asturianos.



El cartel está formado por artistas que fueron número 1 y que ahora conservan la etiqueta de legendarios. Por ejemplo, los ingleses The Blow Monkeys, que arrasaron en las listas británicas y del resto de Europa en los años 80. Esta formación ofrecerá en Avilés su única fecha en España, además con la banda original que les catapultó en la pistas de baile.


También estará Mikel Erentxun, fundador de los históricos Duncan Dhu, que con miles de discos vendidos y centenares de conciertos a sus espaldas en España y Sudamérica, tocará en La Mar de Ruido todas sus canciones emblemáticas junto a las nuevas de su reciente álbum en solitario "Cicatrices".


Y qué decir de Siniestro Total, con más de 30 años de carrera sobre los escenarios desde el legendario "¿Cuándo se come aquí?", de 1982. Después de muchos años sin tocar en Avilés, regresan para interpretar los grandes éxitos de su discografía el viernes 18 de agosto.


El Festival ofrece este año otras bandas espectaculares y completamente diferentes que poseen el atractivo musical de los mejores paladares. Entre ellas, Red House, sin duda la mayor banda de blues que recorre las noches de Madrid, comandados por Jeff Espinoza y Francisco Simón. La formación tiene en sus filas  a uno de los mejores músicos que ha dado Avilés en las últimas décadas, el contrabajista Dani Casielles.


No menos importante será la presencia el domingo 20 de agosto de los "Jóvenes Clásicos del Son", una de las bandas cubanas del momento. En plena gira europea, recalan Avilés portando el mejor son cubano. Herederos de las grandes formaciones de Cuba, han sido nominados a los premios Grammy en varias ocasiones.


Completan el cartel de esta 13 edición de La Mar de Ruido bandas avilesinas y asturianas como Norma y Manitou, ambas plagadas de jóvenes instrumentistas locales; Squizo y Nacho García veteranos del rock avilesino; y los grupos The Fever, grandes de la escena rock de Asturias, y Maraya Zideco, con Michael Lee Wolfe y Maraya Zydeco,  con su viejo pero enérgico sonido de Lusiana con ramalazos de blues.


Los conciertos tendrán lugar en el Parque del Muelle, a partir de las 21:00h los tres días.



Viernes 18 de agosto


  • Siniestro Total  


Siniestro Total es una banda del género punk-rock, que se formó el año 1981 en Vigo, España.

En un inicio el grupo estuvo conformado por Julián Hernández (sintetizador), Miguel Costas (vocalista) y Alberto Torrado (guitarra, bajo y coros). Pero para el lanzamiento de su primer álbum, el grupo varía de la siguiente manera: ingresa Germán Coppini a ocupar el puesto de vocalista, Miguel pasa a tocar la guitarra y los coros, Alberto se mantiene igual, y Julián se dedica a la batería y coros. 

En 1982 lanzan su álbum debut titulado "¿Cuándo se come aquí?". Se trata de un disco plenamente punk, no muy elaborado.

Un año más tarde aparece su segunda producción bajo el título de "Siniestro Total II: El Regreso" (1983). Aunque el contenido de este álbum sigue perteneciendo al género punk, se nota una clara evolución en el sonido. Muestra de ello es la adhesión de más instrumentos como los de viento. 

Por ese entonces, se produce nuevamente un cambio en la agrupación. Esta vez, Germán se aleja de la banda. 

En 1984, graban el LP "Menos mal que nos queda Portugal", más orientado al género rock. Y en 1985 editan el álbum "Bailaré sobre tu tumba". 

Por aquél tiempo, ingresa un nuevo integrante a Siniestro Total: Javier Soto, quien se encargaría de apoyar en la guitarra, y en los coros. También en 1985, el grupo toca en el "Festival Vran’85", junto a reconocidas bandas como MecanoAerolíneas Federales Última Edición

Dos años después, publican el disco "De hoy no pasa" (1987),el cual logra vender 30.000 copias. El lanzamiento de este disco coincide precisamente con la salida de Javier Soto del conjunto musical.

El año 1988 trajo consigo un nuevo álbum, titulado "Me gusta cómo andas". A partir de ese momento, ingresan Segundo Grandío a tocar el bajo y apoyar en los coros, Ángel González a la batería, mientras que Julián toma la posición de guitarra y coros, los demás integrantes se mantienen igual.

Siniestro Total inicia la década de los noventa con la presentación del álbum "En beneficio de todos" (1990). 

En 1992 sale a la luz el disco en vivo titulado "Ante todo mucha calma", y un año después, presentan un nuevo LP de estudio titulado "Made in Japan" (1993). 

Para 1994, Miguel Costas abandona Siniestro Total; y en 1995, graban el álbum "Policlínico miserable".
Tanto "Made in Japan" como "Policlínico miserable" representan un cambio en el sonido característico de la banda, pues se acercan al género heavy metal.

En 1996, ingresa a formar parte del grupo Jorge Beltrán, quien se ocupará del saxofón. 

1997 es un año sumamente fructífero para la agrupación, pues graban el LP en estudio "Sesión vermú", y también aparecen dos discos en vivo "Cultura popular" y "Así empiezan las peleas". 

La banda inicia el milenio con la presentación del disco "La historia del blues" (2000). Este disco establece el mayor cambio de Siniestro Total, pues como bien lo dice su título, en esta ocasión trabajan con el género blues. 

En el 2001, Segundo Gandío se aleja del grupo, mientras que ingresa Óscar G. Avendaño en su lugar.

Finalmente en el 2005 publican su siguiente álbum, titulado "Popular, democrático y científico", el cual se acerca al género grunge.















































































 Red House


Jeff Espinoza es californiano de Los Ángeles, donde se graduó en Psicología y Estudios Étnicos en la Universidad del Estado de California en Fullerton. Su afición por la música hizo que compaginara el ejercicio profesional como psicólogo de niños autistas, con la participación en diversas bandas californianas.
Con el deseo de perfeccionar sus conocimientos musicales, realiza estudios de Teoría de la música, Composición, Voz, y Técnicas de grabación en la Universidad del Estado de California de Fullerton y en el Orange Coast College de California, asistiendo también a diversos seminarios de Composición y Grabación. Ha estudiado Bel Canto durante diez años con Inés de Rivadeneira.
Llega a España en 1980 con el grupo californiano “No Justice” y progresivamente se va integrando en el panorama musical español hasta que ingresa en los legendarios “Flying Gallardos”, con los que graba su primer disco en España.
Más tarde es reclutado como cantante y letrista de la “Vargas Blues Band”, con la que graba tres discos (“Madrid-Memphis”, “Blues Latino”, y “Texas Tango”), hasta que junto con Francisco Simón deciden crear el grupo RED HOUSE. Desde 1998 hand grabado cinco Cds (“Red House”, “Hold On”, “Red House Captured Live”, “Rattlesnake Road”, “Chihuahua Boogie” y por último Red House Hits 1997-2012).
Ha registrado más de 400 temas de diversa índole en calidad de compositor y letrista y ha colaborado con infinidad de artistas entre los que cabe mencionar “Blue Lou” Marini (Blues Brothers), Chris Rea, Junior Wells, El Gran Wyoming, Flaco Jimenez, Lonnie Brooks, Larry Graham, Larry McCray, Preston Shannon, Larry T. Thurston, El Chojin, Double Trouble (Stevie Ray Vaughn Band), y Gene Taylor (The Fabulous Thunderbirds, Canned Heat, y The Blasters), etc.
Jeff ha grabado centenares de anuncios y discos, y también graba como locutor y doblador de voz en numerosas peliculas, anuncios, y documentales. Ha compuesto música para anuncios de televisión, radio, dibujos animados, documentales y películas tales como “Catherine’s Grove”, “Malena es un Nombre de Tango”, “Cthulhu Mansion”, “Rain”, “El Rey” y “Marco Antonio”.
Es miembro de la SGAE y de la AIE
Francisco Simón (Madrid, 1963) estudia la carrera de Geografía e Historia en la Universidad Complutense, pero su pasión por la guitarra le lleva a estudiar Educación del Oído, Armonía y Teoría Musical en la Escuela de Música Creativa de Madrid, donde acaba becado por la AIE. También cursa Composición y Arreglos musicales en la propia Escuela. Posteriormente, se traslada a los Estados Unidos en 1996, dónde estudia en el prestigioso “Guitar Institute of Technology” (MI) de Hollywood, California, obteniendo el premio al mejor estilo (Best Style Award).
De vuelta a España, realiza numerosas giras con artistas nacionales de primera magnitud tales como Cabaret Pop, Duncan Dhu, y Miguel Ríos (en países como Perú, Costa Rica, Panamá y México), con los cuales graba diversos álbumes.
Ha trabajado con artistas internacionales entre los que cabe destacar a Jerry Lee Lewis, Willie de Ville, Paul Collins, Kevin Ayers, Kenny Neal, Collin James, Bernard Allison, Fito Páez, Gene Taylor, Paul Carrack, Steve Cropper, “Blue” Lou Marini, The Blues Brothers, Dan Aykroyd, Mike Vernon y Tom Jones.
Muy conocido y respetado en el panorama español, ha colaborado también con artistas de la talla de Antonio Flores, Rosendo, Antonio Vega, Julián Hernández (Siniestro Total), Enrique Urquijo, Joaquín Sabina, Diego Vasallo, Raimundo Amador, José Mercé, (estos dos últimos figuras del flamenco) y muchos más…
Simón ha tocado durante muchos años en el circuito madrileño de música en vivo y ha realizado giras con grupos como Rockomóvil, Tonky Blues Band, Ñaco Goñi, Flying Gallardos, Stereos, Boogie Children, Nancho Novo, etc.
También ha sido colaborador habitual de programas de televisión tales como “La noche se mueve” (Telemadrid-El Gran Wyoming), “El peor programa de la semana” (La 2, dirigido por Fernando Trueba, Oscar a la mejor película extranjera por “Belle Epoque”), “Caiga Quien Caiga” (T5, mejor show-magazine de la televisión española ),”Furor” (Tele Madrid, FORTA ), ”La Azotea de Wyoming” (TVE), “Nada X Aquí” (Cuatro) y “No te olvides de la canción” (La Sexta).
Es el compositor habitual de los temas de Red House grupo del que es miembro fundador y que tiene siete CDS en el mercado.
A su vez es compositor de bandas sonoras, – como por ejemplo el largometraje de nacionalidad colombiana “El Rey” – , y música para numerosos documentales, así como amplia experiencia en el terreno de la publicidad y músicas corporativas. También ha realizado y compuesto la música para la serie de dibujos animados de TVE “Marco Antonio”.
Últimamente ha sido requerido como profesor en prestigiosos seminarios de guitarra y “master class” de ámbito nacional – “Festival de Blues de Béjar”, o los prestigiosos “Talleres de Improvisación de Gijón” entre otros – con gran éxito de participación. Actualmente es profesor del Aula de Blues de la Escuela de Música Pipo López
Francisco Simón es también un solicitado productor por su sentido musical y su profesionalidad, con un amplio bagaje a sus espaldas, que le ha llevado a producir un buen número de CDS de diferentes estilos, pero especialmente volcado en el ámbito “bluesy”, como por ejemplo Ñaco Goñi, Velma Powell and Blue Days, Lluís Coloma, Susan Santos o Gaby Jogeix.
Como músico de sesión ha participado en mas de 40 CDS reclamado por su saber y buen hacer.
Es miembro de la SGAE y de la AIE.






















Manitou 

Llegamos al auditorio del centro cívico de los Canapés. Entramos en el backstage con Manitou, para charlar un poquito antes de dar comienzo a la presentación de su álbum “Origen”, y plantearles unas pocas cuestiones que queremos saber. En el ambiente en camerinos se hacen visibles ciertos nervios escénicos del estreno. Fue un largo camino hasta llegar a ver al disco completo y publicado, y acusan el esfuerzo que han puesto en ello, pero recogen nuevas fuerzas para la ocasión.

Les agradecemos el que nos dediquen unos minutos en tan señalado día para ellos, y comenzamos:

¿Que ideas cruzan la mente al ver por fin la primera obra editada y publicada?

Principalmente todo lo que nos costó poder llegar hasta esto. Un resultado que se ajusta a lo que se tenía en mente, lo que era el concepto del disco en todo su conjunto, una idea que aunque difícil de alcanzar, se pudo lograr gracias a Pablo Martínez en gran medida.

¿Cómo planeáis los futuros pasos de la banda desde ahora?

Un poco turbios. No, en serio, hemos sufrido unos cuantos cambios repentinos, en varios sentidos, pero con la misma ilusión y con planes de futuro, sobre todo ahora, con el disco ya sobre la mesa y en marcha.

Tenéis previsto en un corto plazo de tiempo el aumentar la proyección de Manitou más allá de Asturias?

Lo hemos pensado, si, lo hemos pensado muchas veces, y aunque aún hay mucho por hacer todavía,  si que tenemos en mente nuevos puntos en los que tocar, como Galicia, Castilla-León, y Madrid, al que tenemos en el punto de mira desde hace algún tiempo. Todo llegará a su ritmo.


¿De que manera percibís el movimiento cultural y musical avilesino al que pertenecéis?¿Notáis la carencia de algo?

Respecto a otros lugares, Avilés está muy surtido en cuanto a música, a pesar de la confusa legislación que a veces hace daño a la misma música. Con formaciones como Winchester, Alexandra in Grey, y otros muchos, se puede decir que tenemos gran riqueza musical, y de eso el público es muy consciente y responde muy bien

¿Ha sido duro el proceso de creación desde el arranque hasta el disco terminado?

La creación de las letras no demasiado, pero las otras partes del proceso fue bastante mas trabajoso de lo que se imaginaba. La cercanía de los plazos finales de tiempo aumentaba exponencialmente el estrés, eso y buscar financiación, apoyos, el diseño de portada y otras muchas cosas que hacen que el disco exista hoy. En cuanto al diseño de portada, hay que decir que es un maravilloso trabajo de Eduardo Morales, una magnífica obra gráfica de un gran diseñador.

Tras “Origen”, este primer trabajo, ¿Ya empieza a gestarse el siguiente aunque sea de forma etérea y primitiva?

Se gestan canciones aisladas, de momento. Aún sin concepto de conjunto. Para esta ocasión, en exclusiva, tocaremos  una nueva canción no incluida en el disco, se titula Que llueva en el centro del salón. Aparte de eso, como digo, sólo son ideas difusas sin forma definida... Aún.

Estos son tiempos hostiles para lírica, como suele decirse, o dicho de otro modo, ¿Es hoy como ayer, la cultura un camino transitable por el que andar por la vida?

La cultura es ahora un ente un poco deslucido, no hay grandes obras como en décadas anteriores, como las realizadas por Led Zeppelin, Los Beatles, y otros. Las discográficas deben haber pensado que no hace falta que haya tanta calidad, que los artistas no necesitan ser tan buenos en lo suyo. Que el arte esté afinado y en forma no le parece algo realmente significativo a la industria.




Tras esto, y una vez más dándoles las gracias por el escaso tiempo del que disponen, se acercan al escenario para terminar de prepararse, mientras las teloneras, The Black Mambas hace su show. The Black Mambas es un banda de rock que proviene de Oviedo, y llevan en la música desde el 2013 al menos. Este es su regreso a los escenarios, tras un pequeño receso en el mundo de la música en el que sus tres componentes exploraron otros ambientes geográficos. The Black Mambas es una banda a tener en cuenta. Ägil y dinámica, sabe bien como agitar los corazones y las mentes de todos aquellos que se les pongan a tiro. Con un creciente catálogo de canciones propias y unas versiones vigorosas y con personalidad, dejan huella en cualquier escenario y en su público. Ellas son Marta a la guitarra, voz y coros, Paula, al bajo, voz y coros, y Sara, desde la batería, a la voz y a los coros, de diversas edades, pero con una gran capacidad para rockerizar a quien haga falta, lo que hicieron de principio a fin, dejando al público avilesino con ganas de más picaduras de The Black Mambas.





Squizo


Squizo rescata sus guitarras

10.08.13

En el amplio microcosmos de la música, existen reencuentros anhelados, otros que jamás llegan a tener lugar pese a las súplicas de los fans, y aquellos que, pese a parecer tales, distan de serlo, pues los componentes de los grupos llevan tiempo juntos, aunque haya sido entre tinieblas. Squizo, emblemática banda de rock del barrio de Versalles, pertenece a esta última categoría, pues el concierto que esta noche, a las 22.30 horas, ofrecen en El Cafetón no es un reencuentro. Es, sencillamente, el retorno a la luz de un grupo de amigos unidos por la música que, aunque ocultos en la oscuridad durante años, jamás han dejado de tocar.
«Siempre quisimos ser, por encima de todo, colegas. Amigos unidos por la música», afirma Raúl Castro, guitarrista, vocalista y uno de los miembros fundadores. «Por nuestras filas pasó medio Avilés. Gente que quería hacer algo, aportar su grano de arena, en una época en la que el denominador común era la impotencia que suponía vivir aquí».
Squizo -nombre derivado de una palabra griega que significa 'romper' o 'quebrar'- nació y se forjó en los años 'duros' de Avilés, cuando la urbe no era sino una sucesión de construcciones industriales y humildes bloques residenciales, todo ello impregnado de los matices grises propios de un área asolada por factorías. «En un barrio como Versalles apenas había nada que hacer. La única forma que teníamos de molestar era tocar música. Ésa era nuestra arma para cambiar las cosas».
Y es que la palabra 'cambio' orbitaba sobre todos los avilesinos en los tiempos en los que el grupo se creó. «Era una época en la que tanto en bares como en las calles se respiraban aires de cambio. Creíamos que estábamos participando en una revolución», confiesa Juan Fernández, bajista de la composición.
Su andadura revolucionaria les llevó a pisar numerosos escenarios, a cosechar éxitos y a convertirse en todo un refrente musical en la ciudad. Pero los años no pasan en balde. «Padecimos las tres 'M' que afectan a casi todos los grupos musicales: mujeres, morfina y mili. Algunos amigos crearon familias, otros se quedaron en el camino... Y eso llevó alejarnos un poco de la gente».
Con su actuación de esta noche no pretenden recuperar una cita con su pasado, sino «ofrecer a nuestro público lo de siempre: bocetos de canciones mal tocadas y mal cantadas. Eso sí, dudo que en España haya muchos artistas con tantas canciones de factura propia como nosotros». Sus intenciones también han madurado, como explica Raúl, no sin un deje de nostalgia en sus palabras. «Con 20 años queríamos cambiar el mundo. Ahora nos conformamos con divertirnos y divertir a quienes vengan a escucharnos».




Sábado 19 de agosto


  • The Blow Monkeys 


Origen Reino Unido
Géneros Nueva ola, pop, dance, glam rock, jazz, rock punk
Años activos de 1984 a 1990, 2007-presente

Miembros ,Dr. Robert,Neville Henry,Mick Anker,Tony Kiley
The Blow Monkeys son un pop británica banda formada en 1981 como nueva ola-acto orientado a objetos. El primer sencillo, "Live hoy Love Tomorrow" fue lanzado en 1982. Posteriormente grabaron fabricantes de hit de pop rock más comerciales y finalmente se convirtió en un grupo de danza, poco antes de disolverse a comienzos de la década de 1990. Rompiera con el Reino Unido y US Top 40 hit "Echa la escena" en 1986 y pasó a lugar diez sencillos y cuatro álbumes en el Reino Unido gráficos entre 1986 y 1990. En los Estados Unidos, son mejor conocidos por "You Don 'T Own me"

A finales de 2007, reunieron a los miembros de la banda original, lanzando un nuevo álbum y va de gira en 2008.
Liderado por el cantante, compositor, guitarrista y piano jugador Dr. Robert (nacido Bruce Robert Howard, 2 de mayo de 1961,Haddington, East Lothian, Escocia), el grupo se formó en 1981, a su regreso de Howard a UK, después de pasar su adolescencia en Australia. Los otros miembros son Mick Anker en bajo, Neville Henry en el saxofón y Tony Kiley en la batería.

En 1984, lanzaron su primer álbum, Limping para una generación, caracterizado por un humor oscuro y una mezcla de pop-rock y new wave, pero su primer éxito llegó dos años más tarde, en 1986, con "Echa la escena", de su segundo álbum, Animal Magic (que alcanzó el número 21 en el Reino Unido). El sencillo atrajo la atención de la actualidad letras, ocupan el SIDA-alimentado reacción violenta contra personas gay. Alcanzó el número 14 en los EE.UU. Billboard Hot 100 gráfico y número 7 en el Hot Dance Club Play. Además, alcanzó un alto número 12 en el Reino Unido, número 24 en Italia y en el número 25 en Alemania.

En enero de 1987, She Was sólo de un posiciones hija, fue lanzado el tercer álbum de la banda; alcanzó el número 20 en el Reino Unido, gracias a su mayor éxito, "It Doesn Have To Be This Way", que alcanzó el número 5 en el Reino Unido (y número 28 en Italia), aunque nunca entró en los Estados Unidos. Sin embargo, figurar en la película, 4 de la Academia de policía: ciudadanos en patrulla.

Otra pista notable, "You Don ' T Own me" se utilizó en el disco de platino, vendiendo la banda sonora de "Dirty Dancing".

Fuera del grupo (aunque en realidad ha incluido en su cuarto álbum, , Whoops! Goes allí la vecindad , ), un exitoso single por Robert Howard fue "Espera", que incluía principios Chicago House diva, Kym Mazelle, en la voz. El récord fue un temprano británico de grabación en el subgénero apodado UK garage. La canción alcanzó el puesto número 7 en la lista del Reino Unido. Más tarde sería reaparecen en primer de grandes éxitos recopilatorio, alternativas - The Singles Collection, su registro más alto-cartografía, alcanzando el número 5 en las listas británicas en 1989 del mono Blow.

La banda llamada se cierra a finales de 1990, poco después del lanzamiento de su quinto álbum, primavera para el mundo (un EP del mismo nombre también salió, recogiendo todos tres singles del álbum). Después de grabar brevemente con Dee C. Lee como Slam Slam, Dr. Robert fue solitario. Contribuyó al álbum de debut como solista de Paul Weller y co-escribió material con Weller y Lee. Otro colaborador notable fue Beth Orton.

El 18 de noviembre de 2007 los miembros originales de la banda anunciaron la reunión de los monos Blow, así como un nuevo álbum taberna del diablo y una gira en 2008. El álbum fue financiado por la cantidad de pedidos: venta colocados por los fans. La fecha de lanzamiento para el álbum fue el 8 de septiembre de 2008. Qrevista revisar el álbum diciendo "su primer álbum en 18 años todavía encuentra el líder en buena voz, Robert sigue sonido como él viste sólo en terciopelo y fuma cigarritos".

En junio de 2009, la banda lanzar una edición especial digipack doble CD y DVD de su desempeño en el legendario club 100 en Londres. Muestra a la banda original de 15 canciones, incluyendo "Echa la escena" "It Doesn Have To Be This Way" y "Espera", así como otras canciones de la banda trabajan anterior junto con algunas nuevas canciones de taberna del diablo.





Mikel Erentxun


“EL HOMBRE SIN SOMBRA es un disco que habla del amor y sus consecuencias. Un álbum conceptual sobre las múltiples caras del amor. 12 canciones escritas con sudor y lágrimas , a lo largo de un año difícil.

Grabado , interpretado y producido , mano a mano con Paco Loco , en su estudio de El Puerto De Santa Maria. Mezclado por John Agnello y masterizado por Greg Calbi en Sterling Sound , NY.

Es decir el mismo equipo técnico que mi anterior trabajo, CORAZONES, aunque aquí hemos ido un paso más allá, al grabar las canciones en un 8 pistas analógico!!! Todo un reto , en los tiempos digitales en los que vivimos … Sonido acústico, con alma y grano.

Finalmente destacar la voz de Maika Makovski muy presente a lo largo del disco.

EL HOMBRE SIN SOMBRA es un retrato fiel de mis gustos musicales y mis sentimientos personales.”

Mikel Erentxun.




























































































































Nacho García






The Fever


The Fever se formó en 2001 en torno a los socios de composición Geremy Jasper (voz) y Chris Sanchez (guitarra). Después de expandirse a una pieza de cinco, el grupo firmó con Kemado Records , lanzando su EP de debut, Pink on Pink , en 2002. El largo Red Bedroom siguió en 2003, al igual que gira con actores indie populares como Hot Hot Heat , Muerte desde 1979, unidades móviles, VHS o beta, métrica, y las matanzas. Después de la salida del guitarrista Sánchez, la banda reagrupó a los miembros originales restantes como una pieza de cuatro con Keith Stapleton cambio de bajo a la guitarra. Tras el reagrupamiento se produjo el aventurero lanzamiento de 2006, In the City of Sleep , [1] pero se disolvió poco después en el otoño de ese año. [2]

Miembros 

  • Geremy Jasper: voces
  • Chris Ruggiero (Sanchez Esquire): guitarra (2001-2004)
  • Keith Stapleton (Pony): bajo (2001-2004) y guitarra (2004-2006)
  • Achilles Tzoulafis: batería
  • J. Ruggiero: órgano

Discografía 

  • Pink on Pink EP (Kemado, 2002)
  • Ladyfingers / Glamorous Life Remix 12 "Vinilo (Kemado, 2003)
  • Habitación Roja (Kemado, 2004)
  • Puente y túnel / The Slow Club 7 "vinilo sólo en el Reino Unido (Kemado, 2005)
  • Red Room: Jasper vs. Remixes Sánchez 12 "Vinyl (Kemado, 2005)
  • Minotour EP Tour EP (Kemado 2006)
  • En la Ciudad del Sueño (Kemado, 2006)

Videografía

  • 2004: Grey Ghost [Dirigida por Hunter Gatherer]
  • 2005: Ladyfingers [Dirigida por Josh & Xander]
  • 2006: Waiting for the Centipede [Dirigida por Geremy Jasper y Johanna Witherby]





Domingo 20 de agosto

  • Jóvenes Clásicos del Son 


En el año 1994, un grupo de jóvenes y talentosos músicos cubanos se reúne con un objetivo en común, rescatar el clásico y un tanto olvidado son cubano.
Así surgen, bajo la dirección de Ernesto Reyes “Palma”, los Jóvenes Clásicos del Son, con el formato y el estilo de un septeto de música tradicional, compuesto por: contrabajo, guitarra, tres, congas, bongos, percusión menor y voz.
En su repertorio aparecen los géneros más conocidos de la música cubana: el son, el changüí, el nengón, la rumba, el bolero, la guaracha, entre otros.
El éxito del grupo aparece tras grabar su primer disco: No pueden parar, con el cual reciben el premio al mejor grupo del año (1997) en Cuba. Este premio les abre las puertas a la radio y a la televisión, así como a todos los eventos musicales más importantes dentro y fuera del país.
Este grupo de jóvenes, con la fuerza interpretativa que los caracteriza en escena, le devuelve al son cubano la frescura y la autenticidad que hizo de este ritmo el preferido dentro del amplio espectro de los ritmos bailables de la Isla, por lo que son capaces de poner a bailar a más de 20 mil personas en los más renombrados festivales de Jazz del mundo.
Han compartido escenarios con renombradas figuras de la música cubana e internacional como: Oscar de León, el Canario, Rubén Blades, Luther Vandross, Harry Belafonte, Natale Cole, Compay Segundo, Buena Vista Social Club, Van Van, Chucho Valdés, Wynton Marsalis, Stephanie Mills, Babyface, Cachaito, Vocal Sampling, entre otros.
Durante su carrera, el grupo ha realizado diversas giras: en 1995 recorrió España, Francia, Suiza y Austria para presentarse en el Festival de Bilbao, Valencia, Santiago Compostela, Barcelona; el de Suristan Madrid; Antilla Cosmopolitan, Sala Apolo, en Barcelona; en los clubes New Morning y La Java, en París; en el Festival La Fiesta del Sol, en Marsella.
Volvieron a España en 1996 para continuar promocionando su música en el Festival Bilbao Tropical y la Feria de Barcelona.
En 1997 actuaron en San Sebastián, y en 1998 protagonizaron una gira por España Francia, Italia e Inglaterra. Al año siguiente llevaron el son cubano nuevamente a Reino Unido, además recorrieron Irlanda del Norte y Francia.
Escocia recibió a la agrupación cubana en el 2000, al igual que el Festival de Música Caribeña de La Habana, los Carnavales de Veracruz, México, y los escenarios de Holanda e Italia.
Luego, en 2001 la orquesta actuó en St. Lucia Jazz Festival; en EuroDisney, Francia, y en World Music Festival (WOMA), Italia. Al año siguiente intervino en Air Jamaica Jazz and Blues Festival, “Montego Bay”, y en el Festival Internacional Cervantino, en México.
En 2004 realizó giras por Nigeria, África, Islas Bermudas, Inglaterra, Holanda, Bélgica, Irlanda; en 2009 por la República Bolivariana de Venezuela; en 2011 por Italia con la compañía de danza cubana Rakatán.
Asimismo, en 2007 participó en el Festival latino en Londres, Gran Bretaña. En esa ciudad inglesa fue invitado permanente del bar restaurant El Floridita.
Junto al proyecto Banacongo, Jóvenes Clásicos del Son realizó una gira por Europa, Holanda, Bélgica, Francia, España e Inglaterra. Presentaron el CD Tambor en el alma.
Fueron invitados al evento Amsterdam Paradiso, al Festival Terra, al Apeldoorn, al Pole Pole, al Rasa Mei 2003, al de Alkamaar, al Tropical, al Club de Jazz Rootsclub
En Francia, estuvieron en el Festival Latino Nice, en el Festival de Falicon y en el Festival Castre Extrabadance.
En España actuaron en el Barcelona Latin Club Antilla, en el Festival de Música Étnica Málaga; en Inglaterra, en el Festival Latino Bristol, The Fiddlersbasch, el Club de Jazz Ronnie Scotts London y en el Festival Jazz Bermuda.
En la discografía de la agrupación cubana se encuentran seis fonogramas: No pueden parar (Artcolor, 1996), Fruta Bomba (Tumi Music, 1999), Tambor en el alma (Tumi Music, 2001), Menos Jóvenes, más Clásicos (Unicornio, 2005), Cantan en llano(Colibrí, 2011) y Pedacito de mi vida (Independiente, 2014).
Actualmente integran la banda: Ernesto Reyes Proenza (dirección y contrabajo), Osvaldo Ramón Huerta Cucalo (bongó), Reinier Adres Verdecia (guitarra y coros), Lázaro Eulices Thondike Ruíz (voz líder), Rubén Nidetz Hernández (tres y coros), Edenys Sánchez Olivera (trompeta y coros), Ariel Jorge Pérez Caballero (trombón y coros), Yuniesky Ricardo Agüero Tirse (congas).
Jóvenes Clásicos del Son ha recibido varios galardones como el premio otorgado en 1995 por la Empresa de Grabaciones y Ediciones Musicales (EGREM) como Mejor Grupo Novel del Año.
Otro importante reconocimiento fue la invitación que les hizo Leo Brouwer para participar como invitados especiales en el Festival Internacional de Guitarra de La Habana en 1998. Asimismo, el grupo obtuvo nominaciones al CUBADISCO en 2001, 2007 y 2009, en la categoría de Música tradicional cubana.
Varios medios de prensa cubanos y extranjeros han destacado la calidad de la propuesta musical de Jóvenes Clásicos del Son. A continuación se relacionan algunos comentarios:
“Jóvenes Clásicos del Son ya ha creado un timbre inconfundible, un sello propio, un estilo original. Algunos de sus componentes son auténticas figuras a nivel mundial”.
(Enrique Romero, Abili Roma, Antilla Cosmopolitan News, Barcelona, Noviembre 1995)



Maraya Zideco


María Álvarez tiene una cualidad importante en común con el mismo Superman: ¡el poder de convertirse! Del barrio trabajador de La Calzada en su Gijón natal, María es buena estudiante desde pequeña, dedicada a la tarea de conseguir buenas notas tanto en la escuela como en el Conservatorio. Acaba ganando concursos internacionales de música clásica y sacando una oposición. Pero por el camino descubre que lleva dentro algo salvaje que tiene que dejar salir. Cuando María coge el acordeón para presentar su visión del blues y el zydeco, se convierte en una posesa, como si su alma, fuera de New Orleans en vez de Asturias.

Como Clark Kent en una cabina telefónica, se convierte en Maraya Zydeco. Sus nuevas grabaciones son las primeras realizadas con una banda eléctrica en su veterana carrera


El nuevo disco de Maraya Zydeco está en el horno ... cocinando lentamente, paso a paso, en el caliente que calienta su acordeón ... Por ahora, te dejamos escuchar -y si quieres, descargue y compre de Bandcamp- su primera melodía: Flechazo "compuesto por Lee Wolfe. "... El acordeón jugado loco por María Álvarez, como si estuviera crecida en el profundo y viejo Louisisna ..." Manuel de la Fuente, periodista ABC, escribió esto mientras hablaba de "Woody Guthrie Revisited", el récord de Lee Wolfe donde Maraya Zydeco jugó demostrando que es una gran artista, y merece ser seguida. Pero Maraya no nació en Luisiana. Nació en Gijón, una bonita ciudad cercana al mar Cantábrico, al norte de España. Allí fue donde comenzó su carrera. Tan largo camino Ahora es una maestra y indiscutible músico que togheter, en la misma biografía, la música clásica y la música de raíces. Ella adaptó su técnica virtuosa a un buen blues, rock'n roll o cualquier sonido zydeco o cajun, además de las raíces tradicionales del norte de españa, y así y así ... -. No importa: Elvis, Muddy Waters, Piazzolla o Beau Jocque. María "Maraya Zydeco" Álvarez, ha asentado su habilidad en los espectáculos musicales basados ​​en las composiciones y canciones tradicionales asturianas en "Nel Camín", "Torner" (El compositor y musicólogo más importante de Asturias, como Alan Lomax) (Ed. Ámbitu, 2007). Realizó y grabó para las bandas de Lee Wolfe como Ástura, Anabel Santiago, Compañía Minera Asturiana ... y, por supuesto, The Blues Rangers. Estas bandas contribuyeron a estimular la escena musical asturiana. En todas esas actividades dejó siempre libres formas de expresar la música raíz americana: en discos como "Asturias Bluegrass Sessions" (2007, Quadrant) o el innovador ("Woody Guthrie Revisited", 2009 Quadrant) jugando junto a Lee Wolfe. Las letras legendarias de un compositor tan importante, con tan enorme influencia en grandes "dinosaurios rock / jazz" como Dylan, Joni Mitchell, Rolling Stones, etc .... Eran un terreno fértil para la visión particular de Lee Wolfe y las melodías del acordeón de Maraya. Ahora, dominado por las guitarras y la voz de Lee Wolfe y sostenido por los poderosos tambores interpretados por Alejandro Blanco y el impresionante bajo interpretado por Ángel Miguel ... aguanta fuerte ... aquí viene Maraya Zydeco.



Otus Scops









Xurde P. Lejarza
Publicado por Xurde P. Lejarza el 19 de enero de 2014








Otus Scops, el trío de rock "más limpio y potente al este del oeste" (tal y como lo definen sus integrantes), está formado por tres músicos de amplía trayectoria: Pablo Canalís, bajista y multiinstrumentista, premio AMAS al mejor bajista asturiano 2012; Jose María "Pipo", guitarrista en aquel mítico BH Rockabillie Blues, también voz solista y guitarra en Calcio-20Jorge Rodríguez, batería y percusionista, entre otras formaciones de Escuela de Odio y Farrokh B.
El grupo se forma a finales de 2012 como trío de rock instrumental, dedicado a la interpretación de clásicos de la música de los años 50 hasta la actualidad (principalmente música rock, surf, funk, reggae y B.S.O.). Su sonido es contundente y cristalino, elegante cuando se trata de ser fino, y salvaje cuando la situación o el tema lo requiere. Un signo distintivo de la banda es que la guitarra apenas emplea distorsión, siendo generalmente este instrumento el que en adaptaciones de famosos temas vocales, desempeña el papel del cantante, así que a pesar de no ser un grupo vocal, sus temas pueden ser cantarines.
Volviendo a sus componentes, la unión de estos músicos es un tanto especial, dado que proceden de bandas muy diferentes: Pablo ha tocado muy diversos estilos, si bien es más conocido por su papel como bajista y multiinstrumentista en la banda de rock progresivo Senogul, aportando a Otus Scops su personal estilo al bajo eléctrico, que no deja de ser original en el contexto de este tipo de grupos. Jose María se inició en la música con el bajo eléctrico, aunque hace una década que se pasó a la guitarra. Su estilo de tocar es rítmico y muy contundente, aunque repleto de matices y demuestra sobradamente que se puede hacer música “cañera” sin usar distorsión.Jorge es un músico versátil con una gran dinámica y precisión rítmica, el motor perfecto para Otus Scops.
En su repertorio están presentes temas ya clásicos como "El bueno, el feo y el malo", “Apache”, "007", "Riders in the sky", "La Bamba", “Brasil”, “I shot the sheriff”, “Wipe Out”, “Pipeline” o “La leyenda del tiempo” (Camarón!!!)... que en el directo de gran calidad que ejecutan encandilan al público, convirtiendo cada concierto en una velada para recordar.
Desde QueFemos hemos querido entrevistar a sus integrantes para que nos cuenten cómo les está yendo desde que unieron sus destinos musicales. 
QF: Sabemos que el grupo nace a finales de 2012, pero no el porqué, contadnos qué razon o sinrazón os llevó a uniros en esta aventura. 
Pablo: Pues es una larga historia que trataré de sintetizar en unas líneas. Jose y yo nos conocíamos de vista desde hacía muchos años…sí, es gracioso pero recuerdo hablar con él en los baños de algún local roquero de Luarca (“¿El Pinocho?”), hará más de 15 años, cuando ambos teníamos el pelo largo y aspecto de salvajes (ésa es la imagen que teníamos grabada el uno del otro). Curiosamente nos “reencontramos” hará 3 ó 4 años en Gijón y después en Luarca, y comenzamos a ir a la playa juntos, y más tarde a bucear. Nos gusta mucho el mar a ambos (y también a Jorge, que hace surf).
Desde el reencuentro digamos que alguna vez hablábamos de montar algún tipo de grupo juntos. A Jose le gustaba la música surf y el rock and roll desde hacía muchísimos años, y yo en esa época estaba dándole también al tema (los Beach Boys y Dick Dale sobre todo), así que bromeábamos un poco con la idea de hacer un grupillo.
Pero en aquel momento yo estaba muy involucrado en proyectos de Senogul y no tenía moral ni energía para iniciar un nuevo proyecto, hasta que un día quedamos para tocar unos temas en mi casa, los dos solos, guitarra y bajo…Recuerdo que tocamos Apache y F.B.I. (The shadows) y Pipeline (The Chantays), la cosa funcionó a la primera, sin batería íbamos los dos sincronizados como si lleváramos tocando juntos diez años. Fuimos preparando una docena de temas y un día Jose llamó a Jorge para que se nos uniera. Jorge se presentó en el local y tocamos los tres juntos seis o siete temas del tirón, a la primera….ahí vimos todos claro que el grupo tenía futuro.
QF: Aunque lleváis poco más de un año juntos, ¿se podría decir que mereció la pena o que estáis a punto de tiraros los instrumentos los unos a los otros?
Pablo: Por supuesto que mereció la pena, he tocado más veces en directo desde julio de 2012 hasta la fecha con Otus Scops, que en diez años con Senogul (donde el planteamiento es diferente, claro). Nos divertimos mucho antes y después de cada concierto, porque nos entendemos bien los tres, tenemos muchas cosas en común..pero sobre todo nos divertimos durante el concierto, porque nos entregamos en cuerpo y alma al directo.
QF: Contadnos qué se va a encontrar la persona que acuda a uno de vuestros conciertos. ¿Por qué tiene que ir y no perdérselo?
Pablo: Tres salvajes disfrutando y haciendo disfrutar a la gente, tenga la edad que tenga el público. 
QF: Volviendo a los orígenes... ¿de dónde viene el nombre que escogisteis para el grupo?
Pablo: Es el nombre científico del “autillo común”, un ave nocturna migratoria que habita la Península Ibérica en determinadas épocas del año (puesto que en otoño-invierno emigra al África mediterránea). Le pusimos este nombre al grupo porque de alguna manera, nosotros también somos algo nocturnos, bohemios. Además, es un ave divertida y desde el punto de vista etimológico su nombre hace referencia a su aspecto “burlón”, “cachondo” “con aspecto de mofarse”, y el nuestro no deja de ser un grupo desenfadado y divertido. Además son pájaros imitadores, lo que tampoco está mal para un grupo que toca versiones (aunque nosotros las personalizamos).
QF: El Occidente de Asturias ¿está bien o mal en cuanto a la posibilidad de tocar directos en los bares? ¿Dónde os habéis encontrado, hasta el momento, mayores facilidades y en dónde veis que haría falta animar la noche?
Pablo: El occidente de Asturias es bastante limitado en este sentido, ya no solo por la escasez de lugares donde ofrecer conciertos dignamente, sino porque es un ambiente bastante endogámico donde siempre te van a ver las mismas personas. Está claro que en esta zona cuando más movimiento de conciertos hay es en verano, y en ese sentido nosotros tenemos bastantes opciones, ya que tocamos en guateques, bodas, discotecas, playas o montañas…Evidentemente donde más facilidades hemos tenido para tocar es en Luarca, donde residimos todos los componentes y donde más nos conocen, especialmente a Jose y a Jorge.
QF: ¿Qué gusta más al público: los clásicos de los 50, 60, 70... o los más recientes y contemporáneos?
Pablo: Para mí los años 60 y 70 fueron enormes en cuanto a creatividad y grandes ideas. Está claro que una de las cosas que más hacen disfrutar al público es escuchar y reconocer canciones que les gustan, y eso es independiente de las épocas, aunque hay cierta relación entre esto y la edad de los asistentes. En todas las épocas hay clásicos memorables.
QF: ¿Tenéis también composiciones propias? ¿Cuáles son vuestros proyectos de futuro?
Pablo: Por supuesto que tenemos composiciones propias. El primer paso de la banda fue el de arrancar el motor y acoplarse, y para ello nada mejor que unas versiones. Pero con el paso del tiempo siempre llega el momento de componer algo, de aportar algo “netamente” a la escena.
En este año 2014 vamos a editar un disco en el que incluiremos varias de las versiones que más nos gustan, y varios temas propios, entre los que habrá un número vocal. Además, en breve vamos a grabar un videoclip con RGB PhotoSocial, de uno de nuestros temas…será toda una sorpresa, que también queremos incluir en el disco.
Fotografías de la entrevista: RGB PhotoSocial